遊戲的美學在當下就已侷限在有玩過那些遊戲的玩家們之間，數十年之後的人們幾乎不可能玩到那些遊戲，當他們看到這些作品時，是否還會感動？一個沒有靈魂、缺乏主體性的作品，是否可以稱之為一種美學？
台北當代藝術館的「大玩‧特玩 遊戲美學」展，在這篇文章刊出的日子，是展出的最後一天了。對於一般人印象中跟「正統藝術」有關的當代藝術館，展出以遊戲美術為主的展覽算是相當大的突破，在限制參觀人數的情形下（當代藝術館建築本身是古蹟），開展頭三天就擠進約5000人，除了二樓《魔獸世界》展場因本來就相當寬闊外，每個展場都擠滿了人，這對當代館來說算是震撼。
筆者於開展初期就參觀過幾次，但接下來忙著搬家，現在才要來討論心得真是太晚了。不過這樣也好，可以避免被人說成是為暴雪(Blizzard)的遊戲做宣傳，算是有失也有得。
展出了什麼？
這次展覽內容到底是些什麼？簡單地說，展覽的主體是大量的遊戲美術稿，包括最原始的鉛筆手繪稿、概念稿，手繪或是電腦繪製的彩稿，有些是遊戲製作過程之用，有些是做為宣傳階段的素材，當然正式對外宣傳的海報、各類封面等也在列，某些宣傳用圖片甚至放大到用整面牆的面積呈現，規模不可謂不大。
除此之外，最令人印象深刻的就是不時穿插的遊戲動畫、3D人物動作或遊戲中的畫面。在十幾幅平面作品旁邊螢幕正展示著平面作品的動畫版，聲光效果除了自成一格，也為平面作品帶來新的生命，或者說，一種最終展出的形式。
少數立體作品包括遊戲中人物的雕塑，以及那把「魔獸」遊戲中「巫妖王」的配劍「霜之哀傷」(frostmourne)，在整場展覽中扮演著畫龍點睛的效果，尤其等比例的「霜之哀傷」靜靜地矗立在那兒，有種你一旦握住它，命運從此就將改變一樣（當然展品是不能碰的，最多只是借位拍張照而已）。
展場本身也做了一些佈置，例如《星海爭霸》區的牆上就貼了很多刻意弄得舊舊皺皺的「克哈之子反抗軍」徵人海報；《暗黑破壞神》區走廊照著紅光，幾具骷髏從屋頂垂下；進入「魔獸」展區前，會經過一個從屋頂投影到地面上的「黑暗之門」等，而星海、暗黑、魔獸這三個遊戲系列，也依據主題被分成科幻、恐怖與奇幻三大文學主題，做為這次展覽的主軸。
遊戲成為美學
當代館副館長林羽婕在策展講座中談到展覽緣起，指出遊戲美術是新時代的美學，單就台灣400萬線上遊戲人口來看，遊戲的美學已經造成深遠的影響，而這些遊戲往往又有原著小說，遊戲背後的文學文本透過遊戲的方式展現，這些都是當代館想藉由此次展覽加以呈現及探討的。
我們透過了這次展出，似乎瞭解了正統藝文界對遊戲美術的看法：它是一種新興的藝術美學，就如同許多其他當代美學一般，是在發展中、並對當代的我們持續造成影響。遊戲美學與動漫、Cosplay正從過去很小眾的次文化，開始影響愈來愈多人，因此正統藝文界開始注意到這個領域，亟欲瞭解箇中奧妙，因而促成了這次「大玩‧特玩 遊戲美學」展。
用「正統」這個形容詞，或多或少有點促狹意味，因為不論是東方或西方、繪畫還是雕塑、建築、文物、文學，相信在所有人眼中都是「很正確的藝術」「很高的境界」「品味」「氣質」，如今，卻要走下廟堂，把大家平常打打殺殺的東西說成是「藝術」「美學」，玩家們應該一時適應不過來吧？而對其他不玩遊戲的人們來說，大概也是滿腦子問號，不知其所以然。
於是，我們不禁回想起來，其實從我們開始玩遊戲起，這些遊戲美術人員的手繪稿、彩稿、宣傳海報等等，就一直出現在我們眼前，在遊戲封盒上、在媒體介紹時、在玩遊戲之中，甚至，部份特別愛好者，手中早就有了許多珍藏版、畫冊之類的典藏品。
一個遊戲玩家是怎麼看待這些作品的？並不複雜，他們都是因為遊戲或是想要瞭解遊戲，才開始深入瞭解這些遊戲美術，因為他們可以從中瞭解遊戲的背景、場景、風格，如此便可對遊戲的骨幹有所瞭解；看人物或怪物的外表，便能從中猜測他們的能力、背景、行為模式，甚至還有辦法推論遊戲的進行方式、故事發展等等。實用的目的之外，玩家們也會欣賞這些場景與風景，是多麼雄偉、秀麗，人物是多麼英俊挺拔或是美貌出眾，因為這些都是接下來進行遊戲時，將會親身體驗到的部份。
遊戲如何是美學？
如果我們深入觀察這些展出作品，可以發現，大部份都是人物或場景的繪圖，姑且不論那些概念表達用的圖解，即使是完成圖，也沒有靈魂、沒有故事，它只是一個形象呈現在那裡；少數作品有故事背景，能讓觀者感受到什麼，但請注意，我們都是透過遊戲的故事去瞭解眼前的作品，除去了故事，作品是否還能傳達出什麼？
就以現場的展品舉例說明。《星海爭霸》人類區並列了兩張莎拉凱莉根圖像，一張是遊戲美術人員的設定彩稿，另一張是遊戲中男主角吉姆雷諾一直放在身上的愛人回眸照片，兩張圖一經比較，可以明顯感受到後者的眼神充滿著愛與關懷，但前者卻沒有散發任何情緒。另一個案例是《魔獸世界》巫妖王之怒展區，一張阿薩斯狀似低頭沉思的畫，如果你知道阿薩斯的過去，看到這張畫，應該會認為他正在回首前塵、展望未來之類的，但如果你看的是有如遊戲海報的巫妖王，相信你不會有類似的想像。
遊戲美術人員基於製作一款遊戲，創造出各個階段不同的美術作品；遊戲玩家透過這些美術作品，試圖瞭解一款遊戲的來龍去脈。遊戲的美術作品，其實一直都是為了不是自身的存在而存在。
回過頭來看所謂的「正統美學」，當我們看一幅繪畫，我們可以從作者的生平、當時的境遇、畫風與理念、畫的主題、構圖等等去欣賞；聽一首古典樂或歌劇，我們聽的是旋律、歌詞，事實上在我們聽他國的歌曲時，經常未曾深究它的背景，或甚至根本聽不懂他唱什麼，但我們一樣聽得很高興，深受感動。
這些「正統美學」，隨便一件都可以流傳數百年，到現在的我們都還能感同身受，它們不需要依附著什麼，光憑本身就可以讓後來的人瞭解或體會。遊戲的美學在當下就已侷限在有玩過那些遊戲的玩家們之間，數十年之後的人們幾乎不可能玩到那些遊戲，當他們看到這些作品時，是否還會感動？一個沒有靈魂、缺乏主體性的作品，是否可以稱之為一種美學？
遊戲美學自然不同於傳統美學
這次的策展人提姆‧坎培爾(Tim Campbell)，目前任職暴雪娛樂創意部門資產經理，「大玩‧特玩 遊戲美學」展是他們在美國本土展出後的第二場巡迴展，他表示藉由這樣的展覽，可以看到這些善惡對抗、面對人生挑戰的故事，及遊戲人物與場景從最初到最後定稿的成形過程，看藝術家的巧思，這是件相當有趣的事，尤其展出作品中有許多是藝術家因為害羞不太想公開、被他遊說很久才首肯借展，因此彌足珍貴。
坎培爾指出，遊戲藝術受到動畫、漫畫的影響，都有著屬於自己的藝術發展途徑，但如果遊戲與電影做比較，會發現兩者異曲同工之處，例如此次展覽以三種文類為主題，就與我們看待電影的方式相同，而傳統的博物館或美術館，也同樣會展出藝術家的作品從草圖到最後成形的過程。
坎培爾在暴雪工作前，曾在包爾斯美術館(The Bowers Museum of Cultural Art)擔任文化藝術典藏經理、東京大學美術館訪問研究員、迪士尼動畫研究部資深經理，現在還是「美國陶瓷藝術博物館」(AMOCA, American Museum of Ceramic Art)董事，因此他對於傳統美學與電影動畫都有相當程度瞭解。他認為一般美術館的作品其意義與價值與當代不一定相同，同樣地，新世代、當前產業衍伸出的作品也會與傳統不同。
他表示遊戲美學展不僅是作品本身，也包括了社群互動及粉絲的意向，觀展者也以自己的遊戲經驗為基礎瞭解展覽的內容。不過遊戲美學展目前還是以傳統美術館的展出方式表現，但未來會有什麼新的表現方式呢？這是值得拭目以待的。
發展中的遊戲美學
坎培爾的談話不啻指出，遊戲美學無法以單一形式表現，觀展者也必須要有一定的遊戲經驗，才能領會作品的內涵。就以這次「大玩‧特玩 遊戲美學」展來看也確實如此，展場有許多原不屬於展出內容的正式版遊戲動畫，因為它們的聲光效果，對平面的美術作品有著強烈的詮釋能力，要看完動畫，回頭再看平面作品，才會在自己內心形成一套屬於自己的觀點；而對於沒玩過這三個遊戲系列，甚至沒玩過遊戲的人來說，透過動畫都可能顯得不足，還得另外加上許多遊戲故事背景的解說，例如說明莎拉凱莉根是怎麼被迫變成刀鋒女皇，或是《暗黑破壞神》系列的神話故事背景等，才能讓觀展者感受到的作品的意義。
因此我們不妨認為，遊戲美學未來的發展必定是走向更精細、複式的多媒體展示空間，以不同性質的媒體，在不同層面交插呈現出遊戲的場景、人物、劇情，在觀展者心中堆疊組合出一個完整的觀點與形象，至於究竟是用什麼樣的方法或媒體更能精準呈現，大家可能要去科幻電影裡找答案了吧。
